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VELÁZQUEZ EN LONDRES / Velazquez in London

05 Dic

Resumen: Muchas de las obras maestras del pintor Velázquez se encuentran repartidas por museos y galerías en el extranjero. Una representación muy importante se encuentra en la ciudad de Londres a causa del coleccionismo producido a partir de la Guerra de la Independencia o las Desamortizaciones en España. Este post está dedicado a todas las obras de Velázquez que se encuentran en las pinacotecas de Londres.

Summary: Many of the masterpieces of the painter Velázquez are scattered in museums and galleries abroad. A representation very important of them are in the city of London because of collectibles produced from the Independence War or the Confiscations in Spain. This post is dedicated to all the works of Velazquez found in galleries in London.

VELÁZQUEZ EN EL REINO UNIDO

Entre las obras de arte español que se encuentran repartidas por el Reino Unido, cabe destacar aquellas obras pictóricas del gran pintor barroco español Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660). Una representación que ofrece obras de gran importancia en la vida del pintor e incluso obras clave en algunas de sus etapas artísticas de su vida. El por qué se encuentran en el Reino Unido, en su mayoría es por una cuestión histórica, y es que la Guerra de la Independencia, las desamortizaciones y el coleccionismo francés e inglés han tenido mucho que ver. Por ello, vamos a dar un paseo por estas obras maestras en cada uno de los museos en los que se encuentran.

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Autorretrato de Velázquez. 1643. Galería de los Uffizi. Florencia (Italia)

Lo primero de todo es conocer de manera muy esquemática, cual es la vida de Velázquez y las etapas más importantes que le representan, las cuales las podemos resumir de esta manera:

1º.- Etapa Sevillana (1610-1622): Es una etapa de formación con Francisco de Herrera el Viejo (1590-1654) y Francisco Pacheco (1564-1644). Su interés por el tenebrismo de Caravaggio (1571-1610), los bodegones, las temáticas costumbristas y sus tonalidades terrosas serán algunas de las características más sobresalientes. Alterna tanto obras con temática costumbrista religiosa.

2º.- Primera etapa madrileña: El ascenso a la Corte (1622-1628): Velázquez viajó a la corte por mediación Juan de Fonseca. A través de él, conoció al Conde Duque de Olivares, llevando consigo como cuadro de presentación El Aguador de Sevilla. Tras empezar a realizar unos primeros encargos para el Rey, en 1623 fue nombrado pintor del Rey, y en 1627 ujier de cámara. Muestra interés por la pintura veneciana de Tiziano, Veronés o Tintoretto (visto en las Colecciones Reales) al igual que la pintura de Rubens, quien estuvo en la Corte en 1628. De este momento prima sobre todo la representación de retratos de la familia Real, así como otros encargos privados u obras mitológicas como El triunfo de Baco.

3º.- Primer viaje a Italia (1629-1630): Por influencia de Rubens (1577-1640) solicitió viajar a Italia para completar su formación. Viajó por Venecia, Ferrara, Roma o Nápoles. Estudió a pintores como Tintoretto, Giorgione o Guercino, visitó las estancias Vaticanas o los jardines de los Médici. La consecuencia fue una pintura más conseguida en cuanto al espacio, iluminación, color y perspectivas.

4º- Segunda etapa madrileña: Madurez pictórica (1630-1649): Sigue obteniendo nuevos títulos en la corte y establece su propio taller en el Alcázar. Sus encargos son de carácter regio destacando aquellos para decorar estancias de los palacios reales como los retratos ecuestres para el nuevo Palacio del Buen Retiro, sin perder otros de carácter privado o religiosos. Su producción decae a partir de 1640.

5º- Segundo viaje a Italia (1649-1651): El objeto de este viaje fue la adquisición de pinturas y esculturas para la decoración del Alcázar de Madrid. Convenció a los pintores Mitelli (1609-1660) y Colonna (1604-1687) para decorar el Alcázar, e introducir así la pintura de trampantojo. Tuvo la oportunidad de pintar al papa Inocencio X, así como realizar otras pinturas de carácter mitológico.

6º- Tercera etapa madrileña (1651-1660): Nuevamente es una etapa de grandes encargos regios, tanto en retratos de los reyes como de las infantas, tanto que el desgaste fisico le llevó a enfermar y fallecer en 1660.

Las obras de Velázquez se encuentran repartidas en diversos museos y gallerías de Londres o colecciones privadas del Reino Unido en la siguiente relación: The National Gallery, The British Museum, The Wallace Collection, Apsley House, Kingston Lacy Palace (Dorset) y Dulwich Art Gallery.

VELÁZQUEZ EN THE NATIONAL GALLERY

INMACULADA CONCEPCIÓN y SAN JUAN EVANGELISTA EN PATMOS (1618-19)

Descripción: La Inmaculada de Velázquez formaba pareja con la obra de San Juan Evangelista en Patmos, las cuales proceden del mismo lugar y poseen la mismas dimensiones y estilo. La Virgen aparece retratada como una joven de unos 12 años, vestida según el modelo de Inmaculadas pintadas por su maestro Francisco Pacheco en el que la viste con una túnica rojo púrpura y manto azul (cuando el estereotipo fijado era de túnica blanca y manto azul). La joven Inmaculada se sitúa en el plano celestial rodeada de nubes, sobre una luna con puntas invertidas que sirve para iluminar el paisaje del plano inferior. Su rostro lo dirige con cierta melancolía hacia el plano terreste. Algunos elementos propios de un modelo de Tota Pulchra la acompañan como la nave, la torre, la fuente o el cedro.

Por parte de San Juan Evangelista en Patmos, aparece sentado con las piernas cruzadas y vestido con túnica blanca y manto marrón, en el momento de escribir el Apocalipsis al momento que vislumbra la visión de la Inmaculada pisando al dragón de las 7 cabezas. A su derecha aparece un águila, como símbolo de San Juan (según el Tetramorfos) y a su izquierda aparecen dos libros cerrados en alusión al Evangelio y Epístolas. Lo que más llama la atención es el rostro juvenil y contemporáneo a su momento, que rompe con la tradición empleada, ya que hay que pensar que San Juan sería un anciano cuando aconteció las visiones.

Procedencia: Las dos obras se encontraban en la Sala Capitular del Convento del Carmen Calzado de Sevilla en 1800. En 1809 se vendieron al Embajador de Gran Bretaña, Bartholomew Frere y en 1974 fueron compradas por The National Gallery.

CRISTO EN CASA DE MARTA Y MARÍA (1618)

Descripción: Esta pintura pertenece a la primera etapa sevillana de Velázquez, el cual aprendió de su maestro y suegro Francisco Pacheco. En primer plano aparece una joven machancando unos ajos en un almirez, la cual nos mira de frente para introducirnos en la obra. Tras ella, una anciana parece recriminarla su trabajo al mismo tiempo que señala con su dedo la escena que acontece al fondo, que es el tema principal de la obra. Igualmente, y como es habitual en la primera etapa de Velázquez, sobre la mesa aparecen una serie de alimentos y objetos de cocina trabajados a modo de un bodegón, todo con un gran naturalismo. La escena religiosa se acontece al fondo de la habitación, casi inapreciable, en donde aparece Cristo sentado junto a María a sus pies y Marta en pie. Esta escena está tomada del pasaje del Evangelio de Lucas (10, 38-42).

Procedencia: En 1637 perteneció a la colección del Duque de Alcalá. En 1881 pasó a la colección Packe de Norfolk, y de aquí a Sir William M. Gregory quien en 1892 la donó a The National Gallery.

CRISTO CONTEMPLADO POR EL ALMA DE UN CRISTIANO (ca. 1626-1632)

Descripción: Esta obra fue pintada en un momento en que Velázquez empezó a tener sus primeros contactos en la Corte de Madrid (Velázquez viajó por primera vez a Madrid en 1622). Lo dudoso es si se realizó en torno a 1626 o bien hacia 1632 una vez que realizó su primer viaje a Italia, ya que el tratamiento de la luz, la posición de Cristo y su pincelada recuerdan mucho a las pinturas de Caravaggio o la influencia de la estatuaria clásica como el Galo moribundo. Aparece Cristo amarrado a la columna, en un momento posterior a la flagelación. En este caso Velázquez ha escogido el modelo de la columna alta, según las revelaciones de Santa Brígida. El rostro de Cristo se dirige directamente al espectador para hacerle partícipe de la escena. Junto a él, aparece un Ángel de la Guarda que cuida de un pequeño niño que representa el alma cristiana ante el dolor de Cristo. Un cuadro que contrasta las luces y sombras de la escena, el dolor y la compasión, y en definitiva que invita enteramente a la devoción y al rezo, todo sumido en el gran naturalismo que caracteriza a Velázquez.

Procedencia: El cuadro fue comprado por John Savile Lumley en Madrid, en 1858, y posteriormente donada a The National Gallery en 1883.

RETRATO DE FELIPE IV DE CASTAÑO Y PLATA o “FELIPE DE PLATA” (1631-1635)

Descripción: Entre 1629 y 1630 Velázquez realizó su primer viaje a Italia, en donde gracias a las cartas de recomendación del Rey, pudo acceder a contables galerías privadas y estudiar la pintura italiana y sus diversas escuelas. Las obras de Tintoretto, Giorgione, Guercino, Miguel Ángel, Rafael, Pietro da Cortona o Nicolas Poussin entre otros grandes pintores del renacimiento y barroco fueron estudiados por el Velázquez. La consecuencia fue una mayor madurez pictórica basada en el color, la luz y el naturalismo que cautivó en la Corte madrileña. El retrato de Felipe IV es uno de los mejores retratos realizados por el pintor tras su viaje a Italia. Representa al Rey a tamaño real, en un posición de pie, vestido con un traje ricamente decorado con adornos de plata que lo consigue realizar con pinceladas rápidas (que se comparan con la técnica empleada en el impresionismo). Como es habitual en el modelo de retrato de Corte, aparece ligeramente de perfil con la mirada al frente.

Procedencia: Esta obra se hallaba en el siglo XIX en la Real Biblioteca de San Lorenzo de El Escorial pero fue sustraída en tiempos de la invasión napoleónica pasando a una colección francesa. Posteriormente pasó a una colección privada inglesa y comprada por The National Gallery en 1882.

FELIPE IV EN LA CAZA DEL JABALÍ o “LA TELA REAL” (1635-1637)

Descripción: Esta pintura estuvo destinada para ser ubicada en la Galería del Rey de la Torre de Parada, una pequeño pabellón de caza situado en el monte de El Pardo, el cual fue decorado con pinturas mitológicas de Rubens, vistas de los Sitios Reales y retratos y otras pinturas realizadas por Velázquez. En esta ocasión, Velázquez representa una escena de caza formada por un gran recinto cerrado en donde se realizaba la batida de un jabalí. Es un paisaje muy amplio pintado desde un punto de vista alto en donde nos introduce. En un primer plano aparecen gran número de espectadores de la Corte en diversas actitudes. En el interior del recinto, aparecen un grupo de jinetes entre los que se encuentra el propio Felipe IV, así como aparece la reina Isabel de Borbón en el interior del carruaje. Numerosos personajes miran directamente al espectador (la reina entre otros), pero lo que más llama la atención es el personaje que se encuentra en la esquina inferior izquierda quien se ha percatado de nuestra presencia y se ha girado para mirarnos.

En The Wallace Collection, existe una copia de la “Tela Real” (Nº Inventario P70) realizada en la segunda mitad del siglo XVII por un pintor desconocido, en la cual ha copiado el paisaje de la composición y unos pocos personajes y jinetes en el ángulo inferior izquierdo. El resto de personajes, así como la representación de los reyes está completamente omitido.

RETRATO DEL ARZOBISPO FERNANDO DE VALDÉS (1640-1645)

Descripción: Fernando de Valdés fue obispo de Teruel , Arzobispo de Granada en 1633 y presidente del Consejo de Castilla en la Corte. Gracias a él, Velázquez consiguió la vara de alguacil de Corte en 1633 y fue por ello que tenía una estrecha relación con él. Fue por ello que Velázquez realizó un retrato de cuerpo entero y sentado cuya obra se quemó en el incendio del Alcázar de 1734, salvándose tan sólo el fragmento con la mano que sujetaba una hoja de papel con la firma de Velázquez, el cual fue robado 1989. El retrato que conserva The National Gallery es una copia o pintura preparatoria del rostro del Arzobispo, vestido de negro y sobre un fondo de cortinaje negro. Resalta el estudio psicológico del rostro y la mirada fija al espectador.

LA VENUS DEL ESPEJO (1647-1651)

Descripción: Se trata de una de las obras más famosas de Velázquez. Fue realizada no después de junio de 1651, quizás en el transcurso de su segundo viaje a Italia (1649-1651). Es la única obra de Velázquez que representa un desnudo y una de las pocas pinturas mitológicas del pintor. Su fuente de inspiración es sin duda la pintura italiana, teniendo a Tiziano o Giorgione como grandes referencias. Aparece la diosa Venus tendida en una cama de espaldas y mirándose a un espejo que lo sostiene su hijo Cupido. Es tal el naturalismo que adquiere esta obra, que de no ser por las alas de Cupido pasaría por una escena o retrato cotidiano. Utiliza el recurso del espejo (algo que volverá a repetir en las Meninas) para provocar que el rostro de la diosa Venus nos mire fijamente. La composición está muy estudiada y tenía que ser intencionadamente “engañada” para no representar de manera evidente un desnudo frontal, algo que no estaba bien aceptado por la Iglesia Católica española, por ello utiliza el recurso de la posición de espalda y el espejo, para que la seducción de su rostro no recaiga directamente sobre el espectador, sino de una manera indirecta e insinuada.

Procedencia: La pintura fue un encargo particular, posiblemente del marchante y pintor Domingo Guerra Coronel, pero en 1651 aparece en los inventarios de Gaspar de Haro y Guzmán. Entre 1688 y 1802 perteneció a la Casa de Alba, y de aquí se vendió a Manuel Godoy quien la colgó en el Palacio de Buenavista junto a las Majas desnuda y vestida de Goya. En la Guerra de la Independencia fue robada y en 1813 estaba en Inglaterra donde la compró John Morritt quien la colgó en su casa de Rokeby Park. Poco después fue vendida a la Compañía Agnew and Son. Afortunadamente, gracias Fondo de las Colecciones de Artes Nacionales, la obra fue comprada en 1906 para ser entregada a The National Gallery, convirtiéndose en una de las grandes joyas de la galería.

RETRATO DE FELIPE IV (1656) 

Descripción: Aparece el rey Felipe IV a la edad de 50 años. Un retrato de medio cuerpo, vestido de negro y en donde lo que destaca es su rostro y las facciones de un hombre cansado y agotado. El retrato que conserva The National Gallery es de similares características al que conserva el Museo del Prado, con la diferencia de que en esta ocasión, la pintura es más oscura y aparece con el collar con el Toisón de Oro.

DIBUJOS ATRIBUIDOS A VELÁZQUEZ EN THE BRITISH MUSEUM

FIGURA MONTADA A CABALLO EN POSICIÓN ENCABRITADA (ca. 1624-1660)

Dibujo de ¿Velázquez? en The British Museum (ca.1624-60) / Monumento a Felipe IV (Pietro Tacca bajo diseño de Velázquez, 1634-40) / Retrato ecuestre de Baltasar Carlos (Velázquez, 1635)

Descripción: Se trata de un dibujo atribuido a Velázquez, ya que aparece una nota posterior con su nombre escrito. Está realizado a lápiz negro y representa una vista frontal de un caballo encabritado montado por un jinete que adopta una postura erecta y elegante, el cual porta un yelmo sobre la cabeza. El dibujo puede ser un boceto para la realización de la obra del Retrato ecuestre del Príncipe Baltasar Carlos (1635) cuya posición se asemeja en gran medida al cuadro final, o bien pudiera ser un boceto para pintar un retratos ecuestre de Felipe IV encabritado que pintó para mandarlo al escultor Pietro Tacca para que realizara el monumento ecuestre de Felipe IV (1634-1640) que hoy se conserva en la Plaza de Oriente de Madrid. El dibujo procede de una colección particular legada al museo en 1997 (Nº Inventario: 1997,0712.102 / AN724289).

ESTUDIOS DE CABALLO Y JINETE EN CABALLO (ca. 1625-1635)

Dibujo de ¿Velázquez? (The British Museum, Londres) / Caballo blanco de Velázquez (Colección Particular, 1635-38) / Estatua ecuestre de Felipe IV (Madrid)

Descripción: Estos dos dibujos realizados a lápiz negro también son una atribución a Velázquez. El primero de ellos es un dibujo de un caballo en movimiento, visto desde la grupa y parte del lomo, en donde hay un movimiento brusco del cuello apreciando el movimiento de las crines. El dibujo inferior está hecho desde un mismo punto de vista, pero en esta ocasión el caballo está encabritado y lo monta un jinete. Concretamente este segundo dibujo guarda una relación directa con el descrito anteriormente, por lo que pueden ser estudios planteados por Velázquez para la realización de los retratos ecuestres del Conde Duque de Olivares (ha. 1632), Felipe IV (1634-35), el príncipe Baltasar Carlos (1635) o bien el estudio para la escultura ecuestre de Felipe IV (1634-1640). El dibujo es una adquisición de 1850 (Nº Inventario: AN723758001)

CABALGADA DE CABALLOS Y JINETES (ca. 1599-1660)

Dibujo de ¿Velázquez? (The British Museum, Londres) / Detalle de “La Tela Real” de Velázquez (The National Gallery, Londres)

Descripción: El dibujo realizado con lápiz negro con realces de luces en blanco representa a un conjunto de jinetes vistos de espaldas. El primer caballo tiene una postura encabritada que conecta con los primero dibujos comentados. Los dos caballos siguientes, en los que uno de los jinetes posee un sombrero negro, mantienen una postura calmada, como queriendo observar alguna escena que no ha sido representada. Al fondo, ligeros trazos representan una multitud de personas o jinetes que les acompaña. La única posible similitud de un grupo de jinetes representados se encuentra en el cuadro de la “Tela Real” en cuyo primer plano aparecen un grupo de jinetes y caballos en diversas posturas. No obstante, la representación de caballos en la obra de Velázquez aparece en diversas ocasiones, más como retratos ecuestres o caballos aislados que como un conjunto de jinetes. Algunos ejemplos son los retratos ecuestres reales, Conde Duque de Olivares, el estudio del caballo para el retrato del Conde Duque, los caballos de La Rendición de Breda, la lección de equitación del Príncipe Baltasar Carlos o la Tela Real. El dibujo fue una adquisición de 1881 (Nº Inventario: AN724292001).

OBRAS ORIGINALES Y COPIAS DE VELÁZQUEZ EN THE WALLACE COLLECTION

PRÍNCIPE BALTASAR CARLOS NIÑO (ha.1632-33)

Descripción: Aparece el retrato del príncipe a la edad de cuatro años, vestido con uniforme militar adaptado a su edad, con decoración de plata en todo el traje el cual termina con una ámplia falda. La postura del príncipe junto con los atributos de la banda carmesí, la espada, y el bastón de mando, sumado a su actitud erguida y la mirada psicológica, así como el espacio a retratar en una habitación con cortinaje carmesí de fondo, indica que es un retrato oficial realizado, posiblemente, con motivo de su juramento como heredero a la Corona en marzo de 1632. Velázquez, como viene siendo costumbre en su etapa madrileña de plenitud, la calidad de la pincelada en los trajes, los retratos psicológicos de los protagonistas y un aire de calidez en todas sus pinturas vienen siendo lo más habitual.

Adquisición: Posiblemente en 1712 estaba en posesión del Conde de Altamira en Sevilla, quien se lo vendió el 1 de junio de 1827 a Frank Hall Standish. En 1842 pasó a la colección del rey de Francia Luis Felipe y mostrado en el Museo del Louvre. Poco después fue subastado y adquirido en 1853 por Samuel Mawson quien a su vez se lo vendió al 4º Marqués de Heltford, razón por la que se encuentra en la actual Wallace Collection.

DAMA CON ABANICO (Ha. 1640)

Descripción: Se trata de uno de los retratos femeninos más bellos y atrevidos realizados por Velázquez. Se duda la identificación del personaje siendo un debate de historiadores quienes dudan si se trata de su mujer Juana de Miranda,  su hija Francisca Velázquez o la Duquesa de Chevreuse, de quien se sabe que Velázquez la estaba realizando un retrato. En cualquier caso, es indiscutible la influencia de la moda francesa en el vestido acentuado por su vistoso escote, algo inapropiado para la moda del momento. Con un fondo de interior neutro y oscuro, sumado al vestido negro de la protagonista, llama la atención el rostro que nos mira directamente, acentuando los ojos y la expresión de tranquilidad. Además, algunos elementos como los guantes, el rosario, o el abanico también son un indicativo de la sociedad cristiana imperante en el Madrid del siglo XVII.

Adquisión: Hacia 1801 estaba en la colección del príncipe Lucien Bonaparte. El 16/05/1816 se subastó en una galería de Londres. En 1839 estaba en posesión de el Marqués de las Marismas, Alejandro Aguado, para después venderse nuevamente en París el 27/03/1843. Finalmente el 7/12/1847 fue adquirida por el 4º Marqués de Hertford y expuesta desde entonces en la Colección Wallace.

COPIAS DE VELÁZQUEZ DEL SIGLO XVII-XVIII

En la misma gallería Wallace, existen otra colección de cuadros que son copias de obras de Velázquez, realizadas o bien en época contemporánea al pintor o poco tiempo después. La relación de cuadros son: “La Tela Real” (copiada entre 1640-1700); la Infanta Margarita (posterior a 1656); Felipe IV a caballo (ca. 1660-1799); retrato del Conde Duque de Olivares a caballo (ca. 1660-1799); retrato del Príncipe Baltasar Carlos niño (ca. 1640); o La lección de equitación del Príncipe Baltasar Carlos (ca. 1640-45).

LA COLECCIÓN PRIVADA DEL DUQUE DE WELLINGTON EN APSLEY HOUSE

EL AGUADOR DE SEVILLA (ca. 1620)

File:El aguador de Sevilla, by Diego Velázquez.jpg

Descripción: Podríamos decir que esta es la obra maestra de la etapa sevillana de Velázquez y la que le valió como presentación para entrar en la corte madrileña, ya que fue un regalo para don Juan de Fonseca, clérigo sevillano contratado por el Conde Duque de Olivares como sumiller de cortina del rey Felipe IV. El cuadro guarda las características de su etapa sevillana en donde la influencia del tenebrismo de Caravagio, los temas costumbristas con personajes populares sevillano o el tema del realismo en la temática de los bodegones siempre están presentes. Igualmente, la obra guarda un cierto simbolismo al representar, posiblemente, las tres edades del hombre: la infancia a través del niño que recoge la sabiduría del anciano a través de una copa, y la edad adulta a través del hombre al fondo de la escena que bebe agua en otra copa.

Adquisición: La obra se la llevó el propio Velázquez como regalo a Juan de Fonseca. Está citada en el inventario del Palacio del Buen Retiro en 1701, y en el Palacio Real en 1772. Con las guerras napoleónicas, en 1813 la obra fue capturada, entre otras muchas, por el general Wellington y Fernando VII no quiso recuperarlas al cederlas como un regalo por la ayuda inglesa. Esta es la razón por la que se encuentra hoy en Apsley House.

DOS JÓVENES A LA MESA (ha. 1622)

File:Velazquez-2homes.jpg

Descripción: Es otra de las obras de su etapa sevillana, pintada después del Aguador de Sevilla. Representa a dos jóvenes sentados en una mesa, hablando entre ellos, para otros posiblemente hebrios. En la mesa, un nuevo bodegón a base de jarra de barro, platos, almirez y una naranja. Las mismas características aplicadas para esta etapa sevillana aparecen nuevamente en la pintura en donde los tonos terrosos son los que priman en la pintura.

Adquisición: La obra perteneció al Duque de Alcalá quien la tenía en 1637 en el Casa de Pilatos (Sevilla). En el siglo XVIII estaba en posesión del Marqués de la Ensenada y en 1768 pasó a la colección de Carlos III. En 1813 fue otra de las obras incautadas por el general Wellington y regalada por Fernando VII.

RETRATO DE ¿JOSÉ NIETO? (ha.1635-45)

Descripción: Aunque este retrato está autentificado como de Velázquez, la realidad es que se desconoce la identidad del personaje que se representa. En el siglo XVIII fue inventariado como un retrato de Antonio Pérez, secretario de Felipe II, Algunos investigadores lo han querido vincular con la figura del aposentador de la reina Mariana de Austria, el mismo que aparece en la puerta del fondo en el cuadro de Las Meninas. Se trata de un retrato de medio cuerpo, vestido de negro y de perfil, con el rostro girado hacia el espectador, un modelo que Velázquez repitió en otros retratos como el Retrato de Caballero (Museo Metropolitano de Nueva York, 1630-35).

Adquisición: Perteneció a la Duquesa del Arco. En 1772 está inventariado en el Pieza del Oratorio del Palacio Real de Madrid. Capturado en 1813 en la colección del Duque de Wellington.

RETRATO DEL PAPA INOCENCIO X (1650)

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Descripción: Velázquez, en su segundo viaje a Italia (1649-51), tuvo el privilegio de realizar un retrato al Papa Inocencio X, el cual se encuentra en la Galería Doria Pamphili (Roma). Dicho retrato se le ha considerado como uno de los más bellos de la historia de la pintura y ha sido fuente de inspiración para pintores contemporáneos como Picasso o Francis Bacon. El retrato del Museo Apsley House es una copia que realizó el propio Velázquez del original quien lo tuvo en su poder como colección particular. Se diferencia del original en el tamaño del lienzo, tratándose en esta ocasión de un retrato de 3/4. La pintura ha sido objeto de muchas discusiones, tanto en cuanto a su propia autoría como la fecha de realización, ya que la calidad pictórica difiere ligeramente del cuadro de la Galería Doria. No obstante, es un retrato con gran profundidad psicológica.

Adquisición: Parece que la pintura estaba en propiedad de Velázquez, según el inventario de su testamento. En el siglo XVIII estaba en posesión del Marqués de la Ensenada, quien lo vendió al rey Carlos III en 1769. En 1772 se encontraba en los inventarios del Palacio Real, primero en la Pieza del Oratorio y luego en la Sala Antigua del Consejo de Estado, hasta que en 1813 pasara a formar parte de la colección del Duque de Wellington.

UN RETRATO DE VELÁZQUEZ EN KINGSTON LACY PALACE

El palacio de Kingston Lacy (en Dorset, Reino Unido) es un edifico del siglo XVII que perteneció a la familia Bankes. Entre sus estancias se encuentra la sala Española, llamada así por las obras de Murillo que se encuentran en ella colgadas. En esta misma sala se ubica el cuadro de Velázquez Retrato del Cardenal Camillo Massimi (1650).

RETRATO DEL CARDENAL CAMILLO MASSINI (1650)

Descripción: Lo pintó en su segundo viaje a Italia, en el tiempo que también pintaba el Retrato de Inocencio X. El Cardenal Camillo Massimi era camarero del papa Inocencio X a la vez que pintor y mecenas de las artes. Es un retrato de medio cuerpo, sentado y con la mirada al frente. Destaca sus vestiduras en terciopelo azul en contraste con el fondo de la tapicería roja de la silla. El cuadro se centra principalmente en la iluminación del rostro del personaje.

Adquisición: Se sabe que el cuadro perteneció al virrey de Nápoles, Gaspar de Haro y Guzmán, VII Marqués del Carpio, pero se desconoce cómo llegó a la colección de la familia Bankes.

En la misma sala también existe un pequeño cuadro de Las Meninas el cual ha tenido varias interpretaciones sobre su fecha y autoría: se dice que fuera un estudio de Velázquez antes de la creación de la gran obra (argumento no muy aceptado), una copia contemporánea del siglo XVII quizás de la mano de Juan Bautista Martínez del Mazo, o incluso una copia posterior del siglo XVIII.

DULWICH ART GALLERY

Posee dos pinturas que son copia de obras de Velázquez. El Retrato de Felipe IV en Fraga (cuyo original se encuentra en The Frick Collection, Nueva York) se piensa que fuera una copia realizada por su discípulo Juan Bautista Martínez del Mazo. La obra copia se trata del Retrato del Príncipe Carlos a caballo (cuyo original está en el Museo del Prado, Madrid).

RECURSOS EN LA RED:

– GARCÍA, Alfredo: “Diego Velázquez en el exilio londinense. Cuadros que le faltan al Museo del Prado” (Blog de Arte).

– HARRIS, Enriqueta: Estudios completos sobre Velázquez. Madrid. Centro de Estudios Europa Hispánica. 2006.

Catalogue of Paintings in the Wellington Museum in ApsleyHouse

Por David Gutiérrez

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2 comentarios

Publicado por en 5 diciembre, 2012 en Arte español en Londres, Pintura

 

Etiquetas: , , , ,

2 Respuestas a “VELÁZQUEZ EN LONDRES / Velazquez in London

  1. Mercedes

    5 diciembre, 2012 at 8:29 pm

    Magnífico trabajo, David, muy interesante. Tengo devoción por Velázquez pero desconocía la mayor parte de lo que cuentas respecto a su obra en UK. Aparte la Venus del espejo (hace poco estuvo en el Prado, es una maravilla) no recuerdo haber visto sus otras obras en Londres (y mira que visité la National Gallery, pero ¡hace tanto!). Me gustaría verlas todas, pero esa Tela Real y la Dama con el abanico, me encantaría. ¡Habrá que ir a Londres!
    Ese retrato de Felipe IV con 50 años debió der de los últimos ¿no?, ahora no recuerdo cuando se lo prohibió pero creo que cuando comenzó a envejecer ya no quiso que su pintor siguiera haciéndole retratos.
    Enhorabuena y besos

     

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