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HISTORIA DEL ARTE Y CINE / Art History and Films

02 Feb

Resumen: El cine siempre ha encontrado una fuente de inspiración en la historia del arte y en los artistas de diversas épocas para crear películas que reproduzcan su historia. Estas películas tienen como fuente de inspiración muchas de estas obras que las reproducen en la gran pantalla, intentan ser fieles al estilo, a la luz y a las obras de arte. A través de este post se muestra algunos ejemplos de películas de cine en donde el arte y los artistas han sido sus protagonistas para acercarnos al mundo de la historia del arte.

Summary: Film production has always found inspiration in the history of art and artists from different periods to create movies that show their story. These films have as inspiration many of these works that bring on the big screen, trying to be faithful to the style, light and works of art. Through this post some examples of feature films where art and artists have been the protagonists to approach the world of art history shown.

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Fotograma del momento del rodaje de la película Mr. Turner (2014)

La historia del arte ha ofrecido al mundo del cine una fuente fundamental a la hora de producir películas, principalmente históricas. La multitud de exteriores e interiores arquitectónicos, así como esculturas o pinturas, a través de las cuales es posible reflejar el ambiente de una época, vestuarios, joyería, interiores, mobiliario y un largo etcétera que han hecho posible que estos ambientes se reproduzcan en las producciones cinematográficas.

En este sentido el cine histórico o biográfico también ha sabido sacar partido a muchas de las historias personales de sus protagonistas, es decir los artistas. Ya no solo interesa exclusivamente las obras de arte que produjeron sino también su vida personal y cómo esta vida personal ha afectado a la hora de producir las obras de arte. Es indudable, que cuando un director de cine ha tenido que abordar un film de un artista o una época, utilice la pintura como ejes para reflejarlos en pantalla y se apoye de otras obras de arte o literatura de la época para captar en la pantalla, de la manera más fiel posible la historia o intrahistoria que existe.

Por ello, muchas veces un film histórico o biográfico de una época o un artista ayuda a acercarnos más a la vida del mismo, y en esa simbiosis el artista o la obra de arte ha ayudado al film a acercarse a ello. Son muchas las películas que se han hecho basadas en épocas históricas, artísticas y en biografías de artistas de diversas épocas del arte, y enumerar todas ellas se me haría una tarea ardua y larga, por ello, en este post he querido hacer una selección de algunas películas en donde la historia del arte y el cine van íntimamente ligadas de la mano.

BARRY LYNDON (1975) (Ver fragmento del film)

La película dirigida por Stanley Kubrick está basada en la novela con el mismo título escrita por William Makepeace Thackeray (1844). La novela y película narra las aventuras del irlandés Barry Lyndon en un contexto de la sociedad inglesa en el siglo XVIII. Kubrick consigue a través de la cámara, reflejar una puesta de escena de exteriores e interiores basadas principalmente en los cuadros del paisajismo inglés y los retratos de la época, así como el modelo de vida de esta sociedad. Igualmente, el tratamiento de la luz en la película es natural bien en las escenas exteriores como en las interiores, en donde la iluminación a base de velas abunda en toda la película.

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Escena de la película rodada en los jardines ingleses de Stourhead House (1741-1780)

Algunas localizaciones de la película son coetáneas al momento en que se desarrolla la novela y la sociedad del siglo XVIII como Wilton House, Stourhead House, el Palacio de Woodstock, o los jardines de trazado inglés como los existen en Wilton House y Stourhead House en donde los trazados sinuosos, la existencia de lagos o rías, los puentes paladianos o los caprichos a base de templos clásicos es lo que caracteriza en este momento. Es una película idónea y fiel para conocer la sociedad, el arte, la pintura, el jardín inglés del siglo XVIII y tanto el vestuario como el atrezzo está muy cuidado para ser fiel a la época de la película.

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Escena de la película con un interior de Wilton House presidido por el cuadro de Anthony Van Dyck Philip Herbert con su familia (ha. 1634-35)

CARAVAGGIO (1985) (Ver film)

Michelangelo Merisi di Caravaggio (1571-1610) fue el pintor italiano que revolucionó la forma de interpretar la pintura ofreciendo así los primeros pasos a la pintura del barroco. Introductor del tenebrismo o el estilo llamado caravaggesco en el que en sus obras utiliza unos fuertes contrastes de luces con escenas o estancias apagadas y jugando con la luz contrastada en los personajes, un efecto muy teatral pero a la vez natural que gustará en el desarrollo de este arte. Caravaggio realiza principalmente pintura religiosa pero con un naturalismo y realismo tal en sus personajes que fue criticado por la Iglesia, ya que su fuente de inspiración y modelos parece que fueron personas reales de la calle y clase baja. Su vida está llena de polémica, siempre envuelto en riñas e incluso un asesinato, hombre reservado y con carácter fuerte, apasionado y con supuestos amantes masculinos y efebos.

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Escena de la película reflejando la juventud de Caravaggio y una de sus primeras obras, Baco enfermo (1593)

La película de Derek Jarman es una versión muy personal del director en la que refleja la vida del pintor, y aunque aparentemente muchos de los ambientes y vestuarios se acercan ligeramente a la época de los inicios del barroco, la verdad es que se toma la licencia de ubicar a los personajes en una Italia contemporánea que se aprecio en algunos sonidos ambientales (radios, trenes, aviones…) o algunos elementos de atrezzo (máquina de escribir, calculadora, trajes de frac…). El caso es que la caracterización del protagonista está basada en el retrato a dibujo que realizó el pintor Ottavio Leoni, y la evolución de algunas obras religiosas y mitológicas que pintó en su vida. Tantos las riñas, el asesinato, la relación con uno de sus primeros mecenas, el Cardenal Francesco María del Monte, el supuesto romance con un joven que le inspiró para sus obras o la famosa obra de La muerte de la Virgen (1601-1606) en que utiliza el modelo de una prostituta muerta encontrada en el río son objeto de mostrar en el film. Todo desde el momento de la enfermedad y agonía del pintor que a través de sus recuerdos vuelve a modo de flashbacks a los momentos más importantes de su vida.

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Escena del momento en que Caravaggio está pintando el cuadro La muerte de la Virgen (1601-1606)

LA PASIÓN DE CAMILLE CLAUDEL (1988) (Ver film)

Camille Claudel fue una de las mujeres escultoras más importantes en la Francia de finales del siglo XIX y principios del XX. Coetánea a los movimientos de la nueva escultura académica o neoclásica pero al mismo tiempo al inicio de las exposiciones del Salón de París en donde se exponían pintura y esculturas de la época. Fue en estos Salones y en este mundo académico en donde también irrumpió el impresionismo. Camille fue una apasionada de la escultura pero en el plano sentimental siempre tuvo fracasos que la llevaron a la locura. Su gran romance fue con el escultor Auguste Rodin, su maestro, admirador y amante pero que nunca llegó a formalizar una relación puesto que tenía ya prometida, y posteriormente lo tuvo con el músico Claude Debussy, repitiéndose el mismo patrón de relación amorosa.

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Escena de la película en que Rodin observa la obra de Camile El Hombre inclinado (1886)

Estos infortunios son los que hacen llevar a Camille Claudel a caer en una profunda depresión y a la locura que provocó el que ella misma destruyera muchas de sus obras, se cerrara su taller y finalmente que fuera encerrada en un manicomio falleciendo entre sus muros y por desgracia, perdiéndose en la memoria el lugar en donde su cuerpo fue enterrado.

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Escena de la película en el momento en que Rodin fusiona sus dos obras La mujer en cuclillas (1881-82) y El Hombre que cae (1881) para formar la obra Soy bella (1882)

La película francesa de Bruno Nuytten refleja la vida de la artista, sus inicios en el taller de Rodin y su colaboración en el trabajo de las Puertas del Infierno (1880-1890), su relación personal con Rodin y las desavenencias de su familia. En la película, aunque se centre en la vida de Camille Claudel también es un reflejo de la trayectoria y la obra de Rodin. Existe una película posterior y más actual llamada Camile Claudel 1915 (2013) pero en esta ocasión la película está centrada más en la última fase de su vida en el sanatorio.

ARTEMISIA (1997) (Ver film)

Pocas son las mujeres que destacaban en el mundo del arte durante el Renacimiento y Barroco, un mundo predominantemente masculino. Aunque estaba mal visto, no fue un impedimento para algunas de ellas que destacaran por encima de grandes pintores y escultores y consiguieran puestos o encargos de relevancia. Algunas de ellas fueron Sofonisba Anguisola (ca. 1532-1625), Lavinia Fontana (1552-1614), Artemisia Gentileschi (1593-1652), Judith Leyster (1609-1660) o Luisa Roldan, más conocida como La Roldana (1652-1706).

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Escena de la película en la que está pintando su Alegoría de la pintura (ha. 1630) mostrando su propio autorretrato

En esta ocasión nos detenemos en la figura de Artemisia Gentileschi, una pintora italiana, hija del famoso pintor Orazio Gentileschi y seguidora del estilo manierista y caravaggesco. Artemisia trabajó principalmente en Florencia, Roma, Venecia, Nápoles y Londres. Su vida estuvo marcada por un hecho violento, cuando fue violada por el pintor Agostino Tassi y aunque se comprometió a casarse con ella, éste rechazó la propuesta al hallarse ya casado con otra mujer. Este hecho fue denunciado por su padre Orazio y se estableció un largo proceso judicial. La rabia y el recuerdo dramático de este hecho fue reflejado en su gran obra Judith decapitando a Holofermes (1612-1613). Todos estos aspectos históricos y anecdóticos de la vida de Artemisia están reflejados en la película.

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Escena de la película en el momento en que se celebra el juicio de Artemisia y mostrando la otra de Judith decapitando a Holofermes (1620), una obra que se ha interpretado como autobiográfica

GOYA EN BURDEOS (1999) (Ver fragmento del film)

Sobre la figura de Goya en el cine, son varias las películas o series documentales que se han realizado, concretamente 12, siendo la primera de ellas La maja desnuda del director Henry Coster (1958) y la última Los fantasmas de Goya del director Milos Forman (2006). Goya, el gran pintor español del siglo XVIII-XIX, ofrece un juego especial en el cine. Desde sus dulces pinturas de los Cartones para Tapices hasta las Pinturas Negras, ofrece una evolución del pintor que es producto también del momento en que vive con la caída del poder regio en España, la llegada de la Guerra de la Independencia y la vuelta al absolutismo reinante.

Goya

Escena de la película Goya en Burdeos en el momento de estar pintando la obra del retrato de La Duquesa de Alba (1795)

Los hechos históricos que vivió, sumado a su vida personal en donde se mezclan romances y enfermedades provocadas por su sordera, han hecho que su personalidad se haya ido reflejando en su evolución pictórica. Además, la crítica descarada a los desastres y consecuencias de la Guerra de la Independencia, el poder o la iglesia reflejado en sus grabados le inunda de una  personalidad apasionante para ser llevada a la gran pantalla.

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La escena de la película aquí mostrada está sacada de dos de las obras de Goya, su Autorretrato ante Caballete (1785) y  Romería de San Isidro (1819-23) de sus pinturas negras.

Si bien el cine es un medio para contar una historia ficticia o real de la vida y la obra del pintor, lo que es indudable es que sus cuadros son fuente fundamental para reflejarlos en la pantalla. Ya no solo la temática de los mismos, sus protagonistas o vestimentas sino en muchos casos incluso la luz y el ambiente que en ellos se refleja. Es por ello que de todas las películas que se han hecho sobre el pintor me detenga en la obra de Carlos Saura, en donde dentro de su imaginario cinematográfico y el recurso tan habitual de sus pantallas y sombras, la obra del pintor aparece continuamente en los distintos fotogramas de la película.

LA JOVEN DE LA PERLA (2003) (Ver film)

Se trata de la película que está basada en la novela que escribió Tracy Chebalier bajo el mismo título en 1999, y que a su vez se basó en el misterioso cuadro de “La joven de la perla” que pintó el pintor holandés Vermeer hacia 1665-1667.

Toda la película está ambientada en la ciudad de Delft en el siglo XVII, es decir, en la sociedad de los Países Bajos y en especial la nueva sociedad burguesa protestante. Esta sociedad vivía principalmente del comercio y se convirtieron en los nuevos ricos. A su vez, esta condición social propició un tipo de arte muy característico de este periodo en la pintura que era crear el género de interiores, es decir, reflejar ambientes domésticos de las casas de esta nueva burguesía. Los interiores reflejaban escenarios domésticos de cocina, patios, salas, habitaciones… en donde aparecen con todo detalle una multitud de objetos y obras de arte en sus paredes. Igualmente el género del retrato es muy característico y se crean bien retratos aislados como grupales o familiares integrados en estas escenas domésticas.

Vermeer

Escena de la película tomado directamente del cuadro El Concierto de Vermeer (ha.1664)

Otro aspecto importante de la pintura del norte de Europa en el siglo XVII, y en concreto Vermeer es la luz. En las obras pictóricas la luz que invaden las estancias es una luz natural, que procede de ventanas o puertas que se encuentran normalmente a un lado de la composición y deja pasar una luz lateral que provoca en la obra un clima especial. Todas estas características aparecen reflejadas en la película de Peter Webber, quien ha sabido mostrar a la perfección el ambiente de los cuadros holandeses del siglo XVII, además de los vestuarios, escenarios y atrezzo. Algunas de las escenas están incluso basadas literalmente en la obra pictórica de Vermeer y por ello es una película idónea para trasladarlos a la época.

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Escena de la película en el momento en que Vermeer está pintando la obra Mujer con aguamanil (ha. 1662-65)

MODIGLIANI (2004) (Ver film)

Amadeo Modigliani fue un pintor italiano pero que se instala en la vanguardia parisina de principios del siglo XX, en un momento en que los últimos impresionistas o postimpresionistas han dado paso a nuevas vanguardias como el cubismo de Picasso. Entre 1906 y 1919 el ambiente vanguardista de París es el de los cabarets y sus representaciones por Touluse Lautrez, o el de los cafés de tertulias en donde músicos, artistas o poetas se reúnen en un ambiente distendido. La etapa azul de Picasso ya era conocida y admirada y su cubismo irrumpe en la sociedad y da paso a nuevas vanguardias, pero también es el ambiente en donde se integran toda una serie de pintores de la época como Cezanne, Diego Rivera o Jean Cocteau.

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Escena de la película con algunos cuadros de Modigliani de fondo, entre ellos Desnudo Rojo (1917)

En el plano personal Modigliani fue un auténtico bohemio de la época, y eso implicaba que estuviera implicado en continuas reyertas, tuviera problemas con el alcohol y las drogas y que fuera un hombre mujeriego. A pesar de haber estado con varias mujeres, su gran amor siempre fue Jeanne Hébuterne, una estudiante de pintura con la que tuvo una hija y con la que iba a casarse antes de que recibiera una brutal paliza que le llevó a la enfermedad y a su posterior fallecimiento. Con su muerte, su gran amada Jeanne se suicidó tras su funeral y con ella el hijo que llevaba en su vientre.

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Escena de la primera exposición de Modigliani con las obras Victoria (1916) y Le Grande Nu (1917)

En cuanto a la pintura de Modigliani, perteneció a la llamada Escuela de París, y estuvo influenciado por pintores como Toulouse Lautrez, Cezanne o Picasso en su primera época. Fue pintor y escultor, y en su obra se caracteriza por las representaciones femeninas con alargados rostros y cuellos, trazos sencillos de su nariz y ojos sin pupilas. Logró exponer su obra en solitario en 1917  pero fue cerrada horas después por las autoridades. Todas estas peripecias de la vida y obra de Modigliani están representadas en la película, centrándose en su relación de amor-odio con el pintor Picasso así como su relación con Jeanne hasta su muerte.

MR. TURNER (2014) (Ver trailer)

Mr. Turner es la última de las películas que se han producido en donde trata sobre la vida del pintor británico Joseph Mallord William Turner (1775-1851). Turner vive el momento de la sociedad británica de finales del siglo XVIII y mitad del siglo XIX, un momento en donde el estilo romanticista inglés, el periodo de la fundación de los grandes museos, el coleccionismo, los viajes del Grand Tour y la pintura de historia y de paisaje eran aspectos que destacaban en la sociedad inglesa.

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Escena de la película intentando imitar el cuadro de Turner El temerario remolcado a dique seco (1839)

El estilo pictórico de Turner, centrado en el óleo y acuarelas con pinturas de paisaje principalmente, es un estilo muy peculiar en donde la luz y las pinceladas sueltas, casi abstractas, preludian una época artística que vendrá tiempo después como es el impresionismo. La película de Mr. Turner es un reflejo fidedigno de una época inglesa de esplendor cultural, la vida del pintor Turner, su relación con la sociedad inglesa del momento y los pintores del momento más importantes como Constable, las burlas hacia su pintura pero también sus éxistos.

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Escena de la película en que Turner está pintando su obra Steam-Boat off a Harbour’s Mouth in Snow Storm (1842)

Por David Gutiérrez

BIBLIOGRAFÍA

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2 comentarios

Publicado por en 2 febrero, 2015 en Cine, Social Media

 

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2 Respuestas a “HISTORIA DEL ARTE Y CINE / Art History and Films

  1. deGranero (@tallerdegranero)

    23 abril, 2015 at 7:36 pm

    Hola! Me ha gustado mucho el artículo, y el blog también! Te repito al artículo que he escrito hace muy poco sobre una nueva película que habla de arte en mi propio blog: http://degranero.es/la-dama-de-oro/
    Espero que te guste.
    Un saludo

     
    • davidguty77

      28 abril, 2015 at 7:21 pm

      Muchísimas gracias por tu comentario y también por añadir una aportación más. Efectivamente es la última película que se ha estrenado sobre la relación de arte y cine. A ver si saco tiempo para ir a verla. Un saludo

       

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