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Archivo de la categoría: Escultura

RETABLOS: FASES DE CONSTRUCCIÓN / Altarpieces: Construction phases

Resumen: El retablo es una de las piezas artísticas más bellas en las iglesias españolas. Su trabajo es bastante complicado e implica la participación de numerosos artistas y varias disciplinas. En el proceso de elaboración de un retablo, desde su inicio a fin, pasa por diversas fases las cuales intentaremos resumir en este post.

Summary: The altarpiece is one of the most beautiful artistic pieces in Spanish churches. To build an altarpiece is quite complicated and involves the participation of many artists and different disciplines. In the process of developing an altarpiece, from the beginning to the end, passing through various stages which try to summarize in this post.

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Retablo del Hospital de la Caridad de Sevilla. 1670-1675. Diseño de Bernardo Simón de Pineda, esculturas de Pedro Roldán y pintura de Luis Valdés Leal (Fuente: Foroxerbar)

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Publicado por en 10 mayo, 2014 en Escultura

 

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INTRODUCCIÓN DEL RENACIMIENTO ITALIANO EN INGLATERRA / Introduction of Italian Renaissance in England

Resumen: Es curioso entender cómo el nuevo lenguaje renacentista y el pensamiento humanista se va introduciendo en cada uno de los distintos países europeos. En Inglaterra se introdujo en el siglo XVI, en la época de los Tudor, de una forma lenta. A través de la contratación de artistas italianos o artistas nórdicos se va introducir el nuevo lenguaje. Estos son algunos ejemplos de la introducción del arte renacentista en Inglaterra.

Summary: It is interesting to understand how the new Renaissance language and humanist thought is introduced in each European country. In England it was slowly introduced in the sixteenth century, in the Tudor epoque. Through the hiring of Italian artists and Nordic artists will introduce the new language. Here are some examples of the introduction of Renaissance art in England.

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Escritorio de Enrique VIII. Ha. 1525 (V&A Museum)

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ESCULTURA DE JOSÉ RISUEÑO EN EL V&A (LONDRES) / Sculpture by José Risueño in V&A (London)

Resumen: Entre las obras de arte español que se encuentran en los museos de Londres, en esta ocasión hemos elegido tres maravillosos trabajos del pintor y escultor de Granada José Risueño, las cuales fueron compradas en España a finales del siglo XIX por el conservador Sir John Charles Robinson.

Summary: Among the works of Spanish art found in museums in London, this time we have chosen three wonderful works of the painter and sculptor of Granada José Risueño, which were bought in Spain in the late nineteenth century by the curator Sir John Charles Robinson. 

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San José con el Niño. José Risueño (ca. 1720) V&A Museum (Londres) (Fuente: V&A)

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Publicado por en 14 abril, 2014 en Arte español en Londres, Escultura

 

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EL ARTE DE LOS BELENES / The Art of Nativity Scene

Resumen: La tradición de los Belenes arranca en el siglo XIII con San Francisco de Asís, quien por primera vez utilizó personas y después figuras en una cueva para recrear el Nacimiento. Posteriormente se difundió por Italia y España. Si en el siglo XVI y XVII se extiende la tradición por iglesias y conventos, será en el siglo XVIII cuando se impondrá como una moda gracias al Belén Napolitano. En la actualidad esta tradición continúa convirtiéndose en un arte.

Summary: The tradition of the Nativity Scene began in the thirteenth century with St. Francis of Assisi, who first used people and then figures in a cave to recreate the Nativity. Later it spread to Italy and Spain. The sixteenth and seventeenth century the tradition was extended in churches and convents. After that, in the eighteenth century was introduced as a fashion thanks to the Neapolitan Nativity Scene. Today this tradition continues being an art.

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Publicado por en 10 diciembre, 2013 en Escultura

 

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LA COLUMNA SALOMÓNICA EN EL ARTE / The Salomonic column in art

Resumen: La columna salomónica es un elemento de la arquitectura que se popularizó en el Barroco gracias a la obra del Baldaquino de San Pedro de Bernini. Pero su origen no surge en el Barroco sino que ya se tiene conocimiento de ella desde la época romana. En España y en Hispanoamérica se generalizó su uso en la segunda mitad del siglo XVII y principios del siglo XVIII, utilizándola en escultura y arquitectura principalmente.

Summary: The Solomonic column is an element of architecture that became popular in the Baroque Art through the work of St. Peter’s baldachin by Bernini. But its origin does not arise in the Baroque and already it is known since Roman times. In Spain and in Latin America use became widespread in the second half of the seventeenth and early eighteenth century, using it primarily in sculpture and architecture.

LA COLUMNA SALOMÓNICA: GENERALIDADES

La columna salomónica es una elemento sustentante que se utiliza en arquitectura y escultura. Está formada por una basa y un capitel y lo que le caracteriza es el fuste trabajado de manera helicoidal y decorado con temática vegetal.

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Columna salomónica del Baldaquino de San Pedro el Vaticano

Recibe su nombre porque se tiene la creencia de que la forma de estas columnas eran las que estaban levantadas en bronce en el Templo de Jerusalén y que fueron mandadas construir por el rey Salomón. Aunque el texto bíblico describe estas columnas, no especifica de manera concreta que fueran construidas con un fuste helicoidal:

El rey Salomón envió a traer de Tiro a Hiram, hijo de una viuda de la tribu de Neftalí, cuyo padre era un hombre de Tiro, un artesano en bronce. El estaba lleno de sabiduría, inteligencia y experiencia para hacer todo el trabajo en bronce. El fue al rey Salomón e hizo toda su obra.

Hiram modeló las dos columnas de bronce; cada columna tenía 18 codos de alto, y una circunferencia de 12 codos. Hizo también dos capiteles de bronce fundido, para que fuesen puestos sobre la parte superior de las columnas. Un capitel tenía 5 codos de alto, y el otro capitel también tenía 5 codos de alto. Los capiteles que estaban en la parte superior de las columnas tenían redes de trenzas en forma de cadenillas; siete para un capitel y siete para el otro capitel. Hizo las granadas en dos hileras alrededor de cada red, para cubrir los capiteles de la parte superior de las columnas. Lo mismo hizo para el otro capitel. Los capiteles que estaban sobre las columnas en el pórtico tenían forma de lirios, y eran de 4 codos. Los capiteles sobre las dos columnas tenían 200 granadas en dos hileras, encima de la parte abultada del capitel que estaba encima de la red, tanto en el primer capitel como en el segundo.

Entonces erigió las columnas en el pórtico del templo. Cuando erigió la columna del sur, llamó su nombre Jaquín; y cuando erigió la columna del norte, llamó su nombre Boaz. Puso en la parte superior de las columnas un motivo de lirios. Así concluyó la obra de las columnas” (I Libro de los Reyes, 7, 15-22).

La columna salomónica se popularizó desde Italia al resto de Europa a través de la gran obra del Baldaquino de la Basílica de San Pedro (Roma), levantado por Gian Lorenzo Bernini en 1624. Gracias a esta obra, será un elemento de gran influencia que va a caracterizar el momento Barroco, en donde la majestuosidad y teatralidad de sus arquitecturas y retablos será lo más llamativo en este periodo.

No obstante, no fue un elemento que surgió de la nada, sino que en la antigua basílica paleocristiana de San Pedro, de época de Constantino, ya existían cuatro columnas salomónicas que presidían su altar. La tradición cuenta que fue el mismo Constantino quien las trasladó del Templo de Salomón. En el fresco de de Giulio Romano de la Donación de Constantino (1519-24) en el Palacio Vaticano, realiza una representación del interior de la antigua basílica de San Pedro con las columnas salomónicas en su altar.

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Detalle del mural de La Donación de Constantino por Giulio Romano en 1519-24 (Palacios Vaticanos, Roma)

Puesto que eran conocidas por el mundo cristiano, veremos que este tipo de columnas son utilizadas, de una manera u otra, desde la época romana. Por esta razón si indagamos un poco en las fuentes iconográficas de los periodos artísticos que lo anteceden podremos encontrar ciertas reflejos de este tipo de columnas helicoidales.

FUENTES E IMÁGENES DE LA COLUMNA HELICOIDAL

El arte romano, con sus órdenes arquitectónicos fijados (toscano, dórico, jónico, corintio y compuesto), utilizó en este tipo de columna como un elemento decorativo. Uno de los ejemplos más característicos son las grandes columnas historiadas del foro de Trajano (año 114) o la columna de Marco Aurelio (176-192). Estas columnas poseían un fuste en donde, de manera helicoidal, se narraban batallas y hechos históricos de sus emperadores.

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Columna Trajana (Roma). 114

En España, encontramos la columna con estrías helicoidales de origen romano en muchas de las ciudades romanas hispánicas. Concretamente en Córdoba, no sólo podemos ver este tipo de columnas reutilizadas en la mezquita, sino que también podemos apreciarlas en la decoración de algunos sarcófagos paleocristianos hispánicos.

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Detalle del sarcófago paleocristiano de Martos (Jaén). Siglo IV.

El mundo bizantino y de la alta edad media, también recrean la columna helicoidal, más como un elemento decorativo que como un elemento sustentante.  Algunos ejemplos los encontramos en mosaicos como los de San Apolinar el Nuevo (s.VI), o en miniaturas o códices medievales, como el Códex Aureus (810) en la Biblioteca Nacional de Rumanía.

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Codex Aureus (Biblioteca Nacional de Rumanía) Año 810

También en el arte asturiano español, será muy característico la utilización de la columna sogueada que proviene de la tradición visigoda y a su vez la romana y bizantina.

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Columnas sogueadas. Santa Cristina de Lena (Asturias) Año 852

En el románico y el gótico también encontramos ejemplos del uso de la columna con decoración de estrías helicoidales. El foco principal siempre es Italia, en cuyos edificios podemos encontrarnos estas columnas pero siempre con una función decorativa y careciendo de un protagonismo. Como elemento de soporte, suelen aparecer estas columnas en los claustros.

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Claustro San Juan de Letrán (Roma) Siglo XIII

En la escultura y pintura del gótico también aparecen representadas con objeto de un recurso decorativo y nuevamente el foco italiano será el principal exportador de su representación. En otras artes menores como la platería, los tapices, marfiles… podemos encontrar ejemplos de estas columnas.

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Retablo de la Anunciación con dos santos de Simone Martini. Ha. 1330 (Galería de los Uffizi, Florencia)

Ya en el renacimiento empieza a tener mayor protagonismo, no tanto en la arquitectura sino más bien en la pintura. De esta forma uno de los primeros ejemplos en donde se demuestra la representación de la columna, no como decoración de estrías helicoidales, sino como la propia columna salomónica es en los cartones de Los Hecho de los Apóstoles realizado por Rafael Sanzio entre 1515-16. Concretamente en el cartón de La curación del ciego, la escena se representa en el interior de una sala cuya columnas siguen el modelo salomónico.

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Cartón de Rafael. 1515-16 (V&A Museum. Londres)

Además del fresco de Giulio Romano de la Donación de Constantino (1519-24) en el Palacio Vaticano, en el que refleja las columnas salomónicas de la antigua basílica, como discípulo de Rafael, tomará como referencia el cartón antes expuesto para crear la obra de La Circuncisión (1522) en donde copia el modelo de ubicar la escena en el interior de una sala con columnas salomónicas

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La circuncisión. Giulio Romano. 1522 (Museo del Louvre. París)

El Manierismo recoge esta misma temática y lo emplea en decoraciones murales de palacios. Federico Zuccaro así lo hace en la entrada del Oratorio del Gonfalone, realizado entre 1569 y 1576. La escenas de la pasión representadas en sus muros están enmarcadas por la decoración de columnas salomónicas.

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Federico Zucaro. Oratorio del Gonfalone. 1569-76 (Roma)

EL BALDAQUINO DE BERNINI EN SAN PEDRO DEL VATICANO

Viendo que con anterioridad a la obra de Bernini, ya era conocida la columna helicoidal y salomónica, sólo había que ponerla en práctica y utilizarla como elemento arquitectónico. Antes de que Bernini llevara a cabo su obra del Baldaquino, hay que hacer referencia al tratado de Los 5 órdenes de arquitectura de Vignola, publicado en 1562. Es importante este tratado porque en una de sus páginas, Vignola explica cómo realizar la columna salomónica aportando para ello un dibujo con planta y alzado para ello.

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Lámina de columna salomónica en el Tratado de Vignola (1562)

Sin duda Bernini tuvo en cuenta este tratado, así como ejemplos anteriores vistos en pinturas, frescos o tapices para llevar a cabo su gran obra. El Baldaquino de San Pedro (1624-1633) representa un enorme palio realizado en bronce sobre la tumba de San Pedro. Todo ello realizado en bronce. Bernini utiliza por primera vez un orden gigante de columna salomónica y decorada con pámpanos y motivos vegetales para ofrecer mayor riqueza al monumento e introduciendo así un modelo que marcará los inicios del barroco.

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Baldaquino de San Pedro. Bernini. 1624-1633

La difusión y su influencia no se hará esperar y gracias a los viajes de artistas o las estampas difundidas, la obra será conocida en toda Europa y marcará una gran influencia en el periodo del barroco, sobre todo en España y América.

LA COLUMNA SALOMÓNICA EN ESPAÑA

Previo a utilizar la columna salomónica en España, ya existía la tradición en retablos de la primera mitad del siglo XVII la utilización de columnas de orden clásico con decoración de estrías helicoidales, sobre todo en el mundo del retablo.

El tratado de Vignola publicado en 1562 en Italia, fue traducido al castellano por el pintor Patricio Caxés en Madrid y publicado en 1593, en donde se incluía la lámina de cómo trabajar la columna salomónica. Al mismo tiempo, la primera aparición de la columna salomónica, aunque con un sentido decorativo, se expone en una fecha temprana a través del Tabernáculo de plata de la Catedral de Sevilla, realizado por Juan de Alfaro entre 1593 y 1596.

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Tabernáculo de Juan de Alfaro (1593-1596)

La primera vez que se tiene aceptado en la historiografía el uso de esta columna en los retablos, es en el Retablo de las Reliquias en la Catedral de Santiago de Compostela, realizado por Bernardo Cabrera en 1625, en cuyo contrato queda especificado que “las quatro colunas principales que señala la dicha trasa an de ser aculebradas y entorchadas”.

Poco después, en 1630, Francisco Díaz del Ribero la utiliza en el retablo de la iglesia de Santos Justo y Pastor de Granada. Y en 1637 aparece en Zaragoza, en el retablo de la Capilla de Santa Elena en la Seo de Zaragoza.

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Retablo de la iglesia Santos Justo y Pastor (Granada). 1630

Alonso Cano, arquitecto, escultor y pintor granadino, experimentó en sus dibujos con la utilización de la columna salomónica en la arquitectura. Así se demuestra de un dibujo suyo conservado en la Biblioteca Nacional de Madrid y fechado entre 1650 y 1667.

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Dibujo de Alonso Cano de una portada con columna salomónica

Pero el gran apogeo de la columna salomónica en España vendrá de la mano de José Benito de Churriguerra en donde el retablo de la segunda mitad del siglo XVII y principios del siglo XVIII cobra más importancia los elementos decorativos y arquitectónicos que la propia escultura o pintura devocional. De esta manera, gracias al protagonismo de la columna salomónica, en España se empezó a determinar un estilo propio llamado el Churrigueresco. El retablo de que marcó una nueva tendencia fue el Retablo del Convento de San Esteban (Salamanca), realizado en 1693.

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Retablo del Convento de San Esteban (Salamanca) 1693

No solamente en el mundo del retablo se aprecia este elemento tan característico del Barroco final, sino que también en las fachadas de palacios, iglesias o conventos se levantan imitando el modelo de los retablos barrocos o utilizadas como elemento sustentante en el interior de los templos.

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Iglesia de San Luis de los Franceses (Sevilla). Leonardo de Figueroa. 1699-1730

Toda esta explosión de artificio teatral no sólo se queda en España, sino que en la Nueva España, lugar en donde se fundaron numerosas iglesias y conventos, el retablo adquirió una gran importancia y el estilo churrigueresco con sus columnas salomónicas también se hacen eco de esa moda.

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Detalle de la fachada de los Jesuítas en Quito (Ecuador) 1722-1765

BIBLIOGRAFÍA

OTERO NÚÑEZ, R.: “Las primeras columnas salomónicas de España” en Boletín de la Universidad Compostelana, 63. 1955, pp. 337-344.

FERNÁNDEZ, Marta: “Los tratados del orden salomónico: Juan Ricci, Juan Caramuel y Guarino Guarini en la arquitectura Novohispana” en Quintana. Revista de Estudos do Departamento de Historia da Arte, núm. 7, 2008, pp. 13-43

Por David Gutiérrez

 
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Publicado por en 17 agosto, 2013 en Arquitectura, Escultura

 

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LA ESTATUA ECUESTRE DE CARLOS I DE INGLATERRA (LONDRES) / The equestrian statue of Charles I of England (London)

Resumen: Una de las estatuas ecuestres más antiguas que se conservan en Londres se trata de la representación del rey Carlos I de Inglaterra (1633). Se ubica en el mismo corazón de Londres, en la entrada de Trafalgar Square y fue realizada en el momento de su reinado (1625-1649). La estatua sigue la tradición de estatuas ecuestres realizadas en Italia, Francia o España de la mano de artistas de la escuela florentina. En este post analizamos su contexto, la estatua y las fuentes para su representación.

Summary: One of the oldest equestrian statues preserved in London it is the representation of King Charles I of England (1633). Located in the heart of London, at the entrance to Trafalgar Square and was made ​​at the time of his reign (1625-1649). The statue is in the tradition of equestrian statues made ​​in Italy, France or Spain from the hand of artists of the Florentine school. In this post we look its context, the statue and the sources for its representation.

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Grabado anónimo de la estatua ecuestre de Carlos I (s.XVII)

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Publicado por en 7 agosto, 2013 en Arte en Londres, Escultura

 

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LOS ÚLTIMOS DÍAS DE LA ROLDANA EN MADRID / The last days of “The Roldana” in Madrid

Resumen: La Roldana, escultora de Cámara en el Madrid de Carlos II y Felipe V, vivió sus últimos días muy cerca del Alcázar de Madrid. Pobre, sin dinero ni vivienda ni propiedades que heredar, suplicó ser enterrada en la iglesia de San Andrés de Madrid. Esto son algunas noticias de sus últimos días en Madrid.

Summary: La Roldana, Chamber woman sculptor in Madrid  by the time of Charles II and Philip V, lived her last days near the Palace of Madrid. Poor, without money or shelter or inheritance properties, begged to be buried in the church of San Andrés de Madrid. This is some news of his last days in Madrid.

Luisa Ignacia Roldán, conocida como La Roldana, nació en Sevilla en 1662. Sus primeros años trabajó a la sombra de su padre, el escultor sevillano Pedro Roldán y se casó con el dorador Luis Antonio de los Arcos. Tras esta primera etapa en 1686 se trasladó a Cádiz y en 1688, gracias a Cristóbal de Ontañón, se traslada a Madrid en donde tras entregar algunas obras al rey Carlos II, le concedió el título de Escultora de Cámara. En 1700, con la entrada de los Borbones, Luisa Roldán regaló nuevos trabajos al rey Felipe V para mantener su posición de Escultora de Cámara, hecho que consiguió.

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La escultura de Luisa Roldán es muy personal y delicada en donde la sensibilidad expresiva a través de los rostros y las manos será lo que más destaque de su trabajo. Trabaja pequeña obras en barro al igual que la madera y su temática es esencialmente religiosa.

Primeros pasos de Jesús. 1692-1706. Museo de Guadalajara (Fuente: Blog Arte-Paisaje)

Primeros pasos de Jesús. 1692-1706. Museo de Guadalajara (Fuente: Blog Arte-Paisaje)

La vida de Luisa Roldán en la corte madrileña, a pesar de sus triunfos profesionales, en el terreno personal no fue afortunada ya que tenía un sueldo mísero, sin apenas ayudas y sin haber conseguido una habitación en la Casa del Tesoro, lugar que dependía del Alcázar en donde se alojaban los artistas de la corte.

Luisa Roldán envió numerosas cartas tanto a los reyes como a las reinas explicando su situación personal. Por ejemplo, en otoño de 1693 escribe al rey Carlos II en donde se describe como “escultora pobre y sin casa donde vivir ella y sus hijos”. En 1697 vuelve a redactar una súplica al rey diciendo que “está pobre y con mucha necesidad suplica a Vuestra Majestad se tenga por servida mandar le den vestuario o una ayuda de costa o lo que fuere de su mayor agrado”. En 1698, producto de su desesperación, escribe a la reina Mariana de Neoburgo diciendo “que por estar pobre y tener dos hijos lo pasa con gran estrechez pues muchos días le falta para lo preciso del sustento de cada día y por esto más precisada a pedir a Vuestra Majestad se tenga por servida mandar se le de una ración de especies para que tenga su necesidad algún alivio”.

Alcázar de Madrid y Casa del Tesoro (elipse) según el Plano de Teixeira en 1656 (Fuente: Viendo Madrid)

Alcázar de Madrid y Casa del Tesoro (elipse) según el Plano de Teixeira en 1656 (Fuente: Viendo Madrid)

Tal como vemos en las cartas, se deduce que no vivía en la Casa del Tesoro por lo que nos preguntamos ¿dónde estaría viviendo y cómo fueron sus últimos días en Madrid?. La respuesta la encontramos en los últimos documentos que se conocen de ella en la Corte. Sabemos que Luisa murió enferma y con muchas necesidades. El pintor y cronista Antonio Palomino, le dedica un capítulo a la vida de esta escultora y argumenta que:

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Antonio Palomino: El Museo Pictórico y Escala Óptica. Tomo III. Madrid, 1756)

¿Y dónde la visitó? Aquí radica la pregunta. En una tesis doctoral escrita por Elena Amat Calderón, en 1927, sobre la vida y obra de La Roldana, describe una pasaje de la lectura de una Novena en donde se dice:

“Yendo un día por las Vistillas de San Francisco, sale a su encuentro un niño de unos diez años diciéndole: Si Vd quiere ver un Jesús Nazareno muy hermoso, en esa casa lo hay; señalando donde vivía los hijos de la Roldana”

Se refiere el texto a la magnífica obra del Jesús Nazareno (1697-1701) que se encuentra actualmente en el Convento de las Nazarenas de Sisante producto de la adquisición que se realizó a los hijos de la Roldana en 1711.

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Padre Jesús Nazareno de Sisante

Por otro lado, el 5 de enero de 1706, estando Luisa Roldán bastante enferma, redactó una declaración de pobreza y testamento para suplicar que pudiera ser enterrada en la iglesia de San Andrés de Madrid. Este testamento se encuentra en el Archivo de Protocolos de Madrid (Protocolo 10515, 1706), y fue publicado por Elena Amat Calderón (1927). El testamento muestra el grado de pobreza que poseía la escultora, y la transcripción dice así:

Encabezado de la declaración de pobreza de Luisa Roldán

Encabezado de la declaración de pobreza de Luisa Roldán. AHPM, Leg.14.364, Escribano Miguel Ramón, 5 de enero de 1706, fols 124r-124v.

En la villa de Madrid a zinco dias del mes de Henero año de mill setezientos y seis ante mi el es[criva]no y testigos parezio D[oñ]a Luisa Roldan, muger lex[iti]ma de D[o]n Luis Antonio de los Arcos vez[in]os de esta d[ic]ha villa y la suso d[ic]ha hija lex[iti]ma de Pedro Roldan /difunto/ y D[oñ]a Theresa de Villavizenzio vez[in]o que fue y es la d[ic]ha su madre de la ziudad de Sevilla = estando enferma en cama de la enfermedad que Dios N[uest]ro S[eño]r arribo servido de la dar y en si buen juicio y entendimiento natural; temerosa de la muerte que es cossa zierta y ynzierta su ora dijo no tiene ningunos vienes ni haz[ien]da de que poder testar por lo qual y en casso de que sea la voluntad de Dios N[uest]ro de sacarla de esta vida pide y suplica a el cura de la yglessia parrochial de San Andres de esta Corte de a donde del presente es parrochiana o a el de donde lo fuere a el t[iem]po de su fallezimiento haga enterrar su cuerpo en el sitio parte o lugar sagrado que le pareziere y el bien y sufragio en venefizio de su alma que pudiere en atenzion a su suma cortedad de medios que assi lo espera de su gran caridad = Y por si en algun tiempo la tocaren y pertenezieren algunos vienes hazienda y otros qualesq[uie]r derechos o acciones deja por su unicos herederos en todo ello a Don Franzisco de los Arcos y D[oñ]a Maria de los Arcos sus dos hijos lexitimos y del d[ic]ho D[o]n Luis Antt[oni]o de los Arcos su marido para que lo haian y ereden con la vendizion de Dios y la suya = Y por esta declarazion revoca y anulla otras y qualesquiera disposiziones que por su ultima voluntad antes de aora hara hecho por escrito de palabra den otra forma que quiere no balgan ni hagan fee ni fuera del salbo esta que a el pre / sente otorga ante mi el ess[criva]no siendo testigos el D[oct]or de Medizina D[o]n Pedro de Flores y Luis Pardo Borcega y Ju[a]n Fernandez residentes en esta corte y la otorgante a q[uie]n yo el ess[criva]no doy fee conozco no la firmo por la suma devilidad en que se alla de la enfermedad que padeze y no poderse yncorporar por lo que lo firmo uno de d[ic]hos testigos a ruego de la suso d[ic]ha = entre r[englore]s = difunto =”

Iglesia de San Andrés en el plano de Pedro de Teixeira en 1665

Iglesia de San Andrés en el plano de Pedro de Teixeira en 1665

La iglesia de San Andrés en Madrid es una de las parroquias más antiguas de la ciudad mencionada en el famoso Fuero de Madrid de 1202. Allí fue enterrado el cuerpo de San Isidro el cual, a mediados del siglo XVII, fue depositado en la ampliación de una gran capilla barroca realizada por el arquitecto José de Villarreal. También, del siglo XVI, destaca en la iglesia la famosa Capilla del Obispo, una capilla levantada por Francisco de Vargas para acoger el cuerpo de San Isidro pero poco tiempo después aprovechada por Gutiérrez de Vargas y Carvajal como panteón familial y en donde encargó el retablo y los sepulcros de alabastro al escultor Francisco Giralte (1510-1576).

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Capilla de San Isidro con la iglesia de San Andrés y Capilla del Obispo al fondo en la actualidad, en donde fue enterrada Luisa Roldán (Fuente: GuiasobreMadrid.com)

Si el documento de Amat Calderón mencionaba las Vistillas de San Francisco y la declaración de pobreza se solicita para ser enterrada en la parroquia de San Andrés es porque lógicamente Luisa Roldán vivía en este entorno. Definitivamente, el último documento sobre ella es la propia partida de defunción en donde deja especificado exactamente su vivienda. Dicha partida de defunción también fue publicada y fotografiada en el tesis doctoral de Amat Calderón (1927). Desgraciadamente el libro de defunción se quemó en la Guerra Civil y actualmente tan sólo queda un libro de índices en donde se refleja su nombre y la año de defunción. El texto de la partida de defunción reza así:

Índice del Libro de Difuntos de la Parroquia de San Andrés

Índice del Libro de Entierros de la Parroquia de San Andrés

“Doña Luisa Roldán, mujer de Don Luis Antonio / de los Arcos que vivía en la calle del Gato / Casas del Duque del Infantado. Mu / rió en diez de abril de mil setecientos y seis” (Libro 1º de Entierros, 1649-1709, fº 322v, publicado por Amat y Calderón).

La referida calle del Gato se trata de la actual calle de San Buenaventura en Madrid, que comunica la iglesia de San Francisco el Grande con el parque de Las Vistillas (llamada Las Vistillas de San Francisco), dejando a un lado el actual Seminario de Madrid (lugar en donde se emplazó las propiedades y jardines del Duque del Infantado).

Vista aérea actual con la calle de San Buenaventura y las antiguas propiedades de la Casa del Infantado

Vista aérea actual con la calle de San Buenaventura y las antiguas propiedades de la Casa del Infantado

La Casa del Infantado tenía numerosas propiedades en el Madrid del siglo XVI y XVII, todas ellas en el entorno de la iglesia de San Andrés. Una de ellas, la de mayores dimensiones, era la propiedad que se encontraba junto a las Vistillas de San Francisco llamado el Palacio de los Duques de Osuna. Se trataba de uno de los palacios más grandes del Madrid en el Siglo de Oro cuyo origen radica en 1573. En el plano de Pedro de Texeira de 1653 aparecen sucesivas casas con dos torreones acabados en chapitel y patios internos con fuentes, todo rodeado en los lados Sur o Oeste con grandes huertas con albercas. Es curioso que en el mismo plano, la calle del Gato no aparece mencionada y lo hace como calle de S. Buenaventura.

Plano de Teixeira de 1656. Detalle del Palacio del Infantado en la Vistillas

Plano de Teixeira de 1656. Detalle del Palacio del Infantado en la Vistillas

En el siglo XVIII, se conserva un plano de la villa de Madrid que aunque fue realizado por Fosman en 1683, se publicó en París en 1706, el mismo año de la muerte de La Roldana, y es curioso ver cómo la calle llamada del Gato, aún es mencionada como Calle de San Buenaventura.

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Plano de Madrid en 1706 (A Paris : chez le Sr. de Fer dans l’Isle du Palais sur le Quay de l’Orloge a la Sphere Royale avec Pri. du Roy, 1706)

Tan sólo en el plano de Chamaldrier de 1761, es el único en el que aparece mencionada la Calle de San Buenaventura como la Calle del Gato. Según este plano las huertas del antiguo palacio se han transformado en jardines diseñados a la manera francesa, con parterres y dibujos geométricos estructurados en calles paralelas y perpendiculares.

Detalle de las Casas del Infantado con la calle del Gato. Plano de Chalmandrier 1761

Detalle de las Casas del Infantado con la calle del Gato. Plano de Chalmandrier 1761

Según Luis Martínez Kleiser en su Guía de Madrid para el año 1656 (1927), nos cuenta algunos datos referentes a la calle del Gato que nos acerca más a su origen y contexto:

“No se llamaba del Gato en el siglo XVII la calle que actualmente conocemos con esta denominación, sino una que por falta de datos es imposible identificar, citada en una ‘Memoria de las calles que hay en las parroquias de Santiuste, San Pedro y San Andrés’ que se conserva en el Archivo de la Sala de Alcaldes de Casa y Corte. / Llamábase además plazuela del Gato la que hoy existe con el nombre del Conde de Toreno. La actual calle del Gato carecía de denominación. / Omitiendo la transcripción de leyendas que dañan la verdad histórica, diremos únicamente que había en Madrid una familia apellidada Gato de gran predicamento en la Corte y acaso fuera de ella, al punto, tal vez, de dar origen a la frase ‘los Gatos de Madrid’ cuyo alcance no es posible precisar / El Licenciado Gerónimo Quintana nos legó relación de los 64 mayorazgos existentes en nuestra Villa antes de ser Corte y en ella aparece incluida la familia Gato”. (p. 37).

¿Por qué Luisa Roldán estaba alojada en estas casas? Desconocemos exactamente las razones pero tenemos que pensar que dado los problemas económicos de la Corona y que no tenía plaza para ocupar una habitación en las Casas del Tesoro, se pidiera el favor al Duque del Infantado para acogerla, además de haber sido su posible mecenas para algunas obras. A finales del siglo XVII y principios del siglo XVIII la Casa del Infantado estaba encabezada por D. Juan de Dios de Silva Mendoza y Haro, X Duque del Infantado (1693-1737), quien dio alojamiento en el Palacio del Infantado (Guadalajara) al rey Felipe V a su llegada a España, por lo que siempre hubo una relación extrecha entre la Casa del Infantado y la Corona de España.

Sea como fuere, la realidad es que esta insigne escultora de cámara, vivió en la suma pobreza, sin haber obtenido nunca una plaza de vivienda en la Casa del Tesoro, que murió enferma y sin propiedades ni riquezas, y que en algún lugar, bajo los suelos de la iglesia de San Andrés estará enterrada. Nos queda para su eterno recuerdo su maravillosa obra artística, fruto de la sensibilidad de una gran mujer en el barroco español.

Por David Gutiérrez

FUENTES

Archivo Histórico de Protocolos de Madrid

– Archivo Parroquial de San Andrés de Madrid

BIBLIOGRAFÍA

–  AMAT CALDERÓN, Elena: Luisa Roldán “La Roldana” : su vida y sus obras. 1927. Tésis doctoral UCM (T-5750).

– GARCÍA OLLOQUI, Mª Victoria: Luisa Roldan. La Roldana. Nueva biografía, Sevilla, Ediciones Guadalquivir, 2000.

– GILMAN PROSKE, Beatrice: Luisa Roldan at Madrid, New York, The Hispanic Society of America, 1964.

– IZQUIERDO ÁLVAREZ, Sara: La casa del Infantado, el Madrid de los Austrias y el barrio de La Latina. Instituto CEU de Estudios Históricos. Madrid. 2012.

– KLEISER, Luis Martínez: Guía de Madrid para el año 1656. Madrid. 1926.

– PALOMINO DE CASTRO Y VELASCO, Antonio: El Museo Pictórico y Escala Óptica. Tomo III. 1725.

– TORREJÓN DÍAZ, Antonio y ROMERO TORRES, José Luis (Coord): Roldana [catálogo de exposición]. Junta de Andalucía y Consejería de Andalucía. 2007.

 
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Publicado por en 25 enero, 2013 en Escultura, Madrid

 

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